Warum verdrängte die „reine“ Fotografie die Bildsprache so vollständig?

Ursprünglich beschäftigten sich die ersten Fotografen mehr mit der Wissenschaft und Technologie der Fotografie als mit der Kunst, und die Ergebnisse waren größtenteils trockene Point-and-Shoot-Angelegenheiten.

Dies änderte sich relativ schnell, und eine der ersten wichtigen Bewegungen war der fotografische Pictorialismus, wie ihn Gruppen wie die Photo-Secession vertreten . Die allgemeine Idee dieser Bewegung, dass Fotografien durch den absichtlichen Akt der Schöpfung des Fotografen zu Kunst werden, anstatt nur das darzustellen, was vor der Linse ist. Dies beinhaltet im Allgemeinen eine sorgfältige Inszenierung und Fotomanipulation.

Diese Bewegung wurde durch Straight-Fotografie , wie sie von Ansel Adams, den Westons und Freunden vertreten wurde, effektiv zerschlagen . die Grundidee ist einfach, dass eine "reine" Fotografie als Kunst für sich stehen könnte; Die Aufnahme dessen, was mit technischem Geschick vor dem Objektiv war (einschließlich natürlich Komposition und Timing), ist der wahre Schlüssel zur Fotografie als Kunstform.

Diese Idee war sehr erfolgreich und die bildnerische Bewegung als solche starb in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Waren die geraden Fotografen einfach so erfolgreich darin, ihre Botschaft zu überbringen, dass die Bildhauer irrelevant wurden? War es der historische Zeitpunkt des 20. Jahrhunderts? Oder etwas anderes?

Jetzt, im digitalen Zeitalter, wo jeder ein Fotograf ist und über hervorragende Auto-Modi verfügt, ist die Botschaft der bildenden Bewegung wieder da? Oder bedeutet umgekehrt die Leichtigkeit, mit der Software Fotos in manipulierte "digitale Kunst" verwandelt, dass die reine Vision der geraden Fotografie für die Fotografie als separate Kunstform am wichtigsten ist ?

Wir sind also alle auf einer Seite, hier ist eine Definition von Bildhaftigkeit :

In der Regel fehlt einer Bildaufnahme ein scharfer Fokus, sie wird in einer oder mehreren anderen Farben als Schwarzweiß (von warmem Braun bis tiefem Blau) gedruckt und weist möglicherweise sichtbare Pinselstriche oder andere Manipulationen auf der Oberfläche auf. Für den Bildhauer war eine Fotografie wie ein Gemälde, eine Zeichnung oder eine Gravur eine Möglichkeit, eine emotionale Absicht in den Bereich der Vorstellungskraft des Betrachters zu projizieren.

Ein Beispiel:

Die schwarze Schale, 1907. George Seeley. Quelle

Mein Ansatz: Eine neue Technologie, ein neues Medium zum Erzählen von Geschichten, versucht Akzeptanz zu erlangen, indem sie etwas emuliert, das bereits existiert, in diesem Fall Gemälde. Irgendwann wird das neue Medium akzeptiert und muss niemanden mehr emulieren.

Ich glaube nicht, dass wir mehr brauchen, um den Aufstieg des Pictorialismus ("sehen wir, wir können ein Foto fast wie ein Gemälde aussehen lassen") und den Sturz ("egal, konzentrieren wir uns darauf, was Fotografie dazu in der Lage ist Malerei kann nicht ").

Es könnte sogar erklären, warum die Malerei in der Selbstverteidigung abstrakt wurde :)

Wikipedia zur abstrakten Kunst :

Die westliche Kunst war von der Renaissance bis zur Mitte des 19. Jahrhunderts von der Logik der Perspektive und dem Versuch, eine Illusion der sichtbaren Realität zu reproduzieren, untermauert worden.

Die Fähigkeit, Perspektive und Realität von Hand zu reproduzieren, wurde wohl weniger wertvoll, wenn Fotografen es einfach mit einem Knopfdruck besser machen konnten. So verteidigte die Malerei ihren Rasen, indem sie den Aspekt "Realität reproduzieren" herabsetzte und den Aspekt "künstlerische Interpretation" durch Impressionismus, Expressionismus, Kubismus usw. aufdeckte.

Zunächst versuchte die Fotografie zu folgen, da die Malerei noch immer der König des Hügels der Kunstwelt war. Hier kam die Bildsprache ins Spiel.

Wikipedia beschreibt gerade Fotografie als eine ästhetische Bewegung, die sich von ungefähr 1880 bis 1970 erstreckt. In den 1930er Jahren wurde es als definiert

Unter reiner Fotografie versteht man, dass sie keine technischen, kompositorischen oder ideellen Qualitäten besitzt, die von irgendeiner anderen Kunstform abgeleitet sind.

Gerade Fotografie könnte als Unabhängigkeitsbewegung der Fotografie beschrieben werden, die im Wesentlichen behauptet, dass die Fotografie eine Insel für sich ist und keinen stinkenden Einfluss anderer Kunstformen braucht.
Ich denke, der Erfolg war teilweise die Erkenntnis, dass die Jagd nach der Malerei ziemlich sinnlos war, zumal sich die Malerei auf einen höheren (abstrakteren) Boden zurückzog. teilweise die Erkenntnis, dass es in der Grundlagenfotografie viel unerforschtes Terrain gibt; Teil Absteckung eines Heimrasen, der auf den natürlichen Stärken der Fotografie im Vergleich zur Malerei basiert. Und natürlich ist direkt von der Kamera viel weniger Arbeit als schwere Manipulationen, insbesondere angesichts der Werkzeuge der Zeit.

Im digitalen Zeitalter gibt es meiner Meinung nach wenig Resonanz mit der Bildbotschaft als solcher. Die Bildhauer versuchten zu einer Zeit, als das Malen der Höhepunkt künstlerischer Bemühungen war, zu tun, "wir können wie ein Gemälde aussehen, wenn wir wollen".

Im digitalen Zeitalter ist die Fotografie bereits akzeptiert und hat ihre Unabhängigkeit bewiesen, und es gibt Genres der Malerei, in denen der Einfluss in die entgegengesetzte Richtung geht, wie der Fotorealismus in den 1960er Jahren und der Hyperrealismus in den 2000er Jahren .

Im digitalen Zeitalter wird ein künstlerischer Fotograf wahrscheinlich etwas anderes als früher machen wollen, genau wie ein zeitgenössischer Maler wahrscheinlich nicht versuchen wird, die Malerei des 19. Jahrhunderts nachzuahmen. 50 Jahre später Ansel Adams zu kopieren, ist nicht viel Ruhm. Die heutigen Fotografen haben Werkzeuge, um Dinge zu tun, die Ansel Adams nicht konnte, und es wäre albern, sie nicht zu benutzen.

In Zukunft erwarte ich, dass die Fotografie in hohem Maße von Kunstformen wie Filmen, Videos und Computergrafiken übernommen wird und möglicherweise mit diesen verschmilzt. Es ist eine natürliche Entwicklung: Wenn wir Fotografie als Erzählen von Geschichten akzeptieren, können mehr Werkzeuge, um eine Geschichte so zu erzählen, wie wir es wollen, nur eine Verbesserung sein.

Ich denke, es ist wichtig zu erkennen, dass die reine Fotografie nichts Besonderes ist: Es war eine bestimmte Stilrichtung mit großer historischer Wirkung, aber nichts sagt, dass dies der einzige Weg ist, um zu fotografieren. Vergleichen Sie das mit der Malerei, die im Laufe der Jahrhunderte Hunderte von Stilbewegungen erlebte, von denen jede mit der Veränderung von Technologie, Gesellschaft und Geschmack einherging und aus der Mode verschwand. Es ist keine Frage von mehr oder weniger Recht, sondern eine Frage von mehr oder weniger Mode an einem bestimmten Ort zu einem bestimmten Zeitpunkt.

Nichts davon macht reine Fotografie ungültig, ebenso wenig wie abstrakte Kunst oder Fantasie den Realismus ungültig. Sie sind einfach verschiedene Ausdrucksformen, verschiedene Genres und können durchaus friedlich nebeneinander existieren.

Lassen Sie uns die wichtigsten anstehenden Fragen von Anfang an aus dem Weg räumen: Die Idee, dass "Straight Photography" (was auch immer das heißen soll) die einzig legitime Verwendung der Werkzeuge der Fotografie ist, ist genauso albern und kurzsichtig wie die Idee, dass der abstrakte Expressionismus die einzige legitime künstlerische Verwendung für Farbe ist. Beide erheben das bloße Medium zum Status der Kunst und beanspruchen dann die Exklusivität über dieses Medium. Der abstrakte Expressionismus verleiht der Farbe und ihrer Art zu applizieren Vorrang vor allem anderen; "Straight Photography" schwelgt in der Vorstellung, dass die Menschheit vor fast 200 Jahren einen Weg gefunden hat, Schatten mehr oder weniger dauerhaft zu machen. Große, haarige Sache zu der Zeit. Die Neuheit sollte inzwischen abgenutzt sein.

Alle Kunst erzählt Geschichten. Und weisst du was? Manchmal kann die Geschichte so einfach sein wie: "Ich habe das gesehen und es hat mich sehr bewegt." Oder sogar "das gab es". Es ist nichts grundlegend Falsches an einer Ode auf der Farbe Rot, einem Ausdruck dafür, wie großartig oder kompliziert die Natur sein kann, oder einfach daran, wie Ihre Tochter im Alter von sechs Jahren aussah. Dokumentarfilm ist jedoch nur eine rudimentäre Verwendung der Sprache der Fotografie, und diese Sprache hat sich vom Pidgin zum Kreolischen entwickelt. Es steht heute ein viel größeres Vokabular zur Verfügung als jemals zuvor, und die Grammatik bietet uns viel mehr als eine kontextgebundene, telegraphische Gegenwart. Wir können Gedichte spinnen, Romane schreiben und "Was wäre wenn" erforschen - warum beschränken wir uns dann auf selbst meisterhaft geschriebenen Journalismus?

Die ursprüngliche Inkarnation des Pictorialismus (und seiner Nachkommen in der Silberwelt) wurde in vielerlei Hinsicht behindert. Die technischen Schwierigkeiten, die mit dem Entwerfen von etwas verbunden sind, das es nie gab, sind für die meisten Menschen heutzutage nur oberflächlich zu erkennen (bis Sie tatsächlich mit nadelspitzen Stiften, einem 6-0-Zobelpinsel oder einer Pasche Turbo-Airbrush unter einer Lupe gearbeitet haben) keine Ahnung), und der Vorgang des Zusammensetzens der Elemente war im Vergleich zum Vorgang des Erfassens fast einfach. Das meiste, was produziert wurde, war technisch schlecht und der einzige Grund, warum viel davon überhaupt Beachtung fand, war die Unkenntnis der Leute mit dem Medium: Sie wussten einfach nicht, wie man ein Foto "liest". (Können Sie sich vorstellen, dass heute jemand auf die Cottingley Fairies oder das Ektoplasma hereinfällt ?)?) Um es richtig zu machen, waren Setbuilding, Kostüme, kooperative Beleuchtung, enorme Mengen an mühsamer Nachbearbeitung (ohne Fehler) und die weitestgehende Wahrnehmung des physikalisch Machbaren (Posen, für die gehalten werden konnte) erforderlich mehrere Sekunden usw.). Als solches handelte es sich hauptsächlich um "ernsthafte Kunst" und "großartige Ideen", besaß jedoch das Vokabular einer Pidgin und einer Grammatik, die hauptsächlich auf Anspielungen beruhten (wie der Tamarian der Star Trek TNG-Episode Darmok)). Wenn Sie nicht wussten, was die Kostüme und die Assemblage als Ikonen bedeuteten, und das Hintergrundbild nicht als Elysian Fields erkannten, dann konnten Sie das Werk nur nach seinem eigenen ästhetischen Wert beurteilen - die zugrunde liegende Botschaft ging verloren . Es war so, als würde man das frühe Mittelalter betrachten, ohne die Ikonographie der Geste zu kennen, oder dass der Adler dort drüben der heilige Johannes der Evangelist ist.

Nun, viel mehr als Menschen und Pferde starben im Ersten Weltkrieg. Die Weisheit der Ältesten, die Klassiker (auf deren Grundlage die Esel gepflegt wurden, die die Löwen in den Tod führten), die Götter selbst starben alle im Schlamm von Nr Land des Menschen. Die Bedeutung verlor ihre Bedeutung¹, und wir begannen, das Wesen der Bedeutung im Dada, im Surrealismus, in der Semiotik und in all den anderen Herangehensweisen zu erforschen, die schließlich zur Postmoderne verschmolzen. Die Welt wandte sich dem Unmittelbaren zu, dem Jetzt, mit dem Gefühl, dass die Vergangenheit keinen Sinn mehr ergab und das Morgen niemals kommen könnte. Wo die Natur Bestand hatte, kehrte die Romantik mit neuer Dringlichkeit zu ihren Wurzeln zurück: Die Natur war das Ewige, zu dessen Beendigung wir die Kraft hatten; wir waren für seine Rettung verantwortlich, weil wir sonst sein Tod sein würden, und mussten lernen, ihn in Ehrfurcht zu halten. (Und machen Sie keinen Fehler, Ansel Adams war kein klinischer Realist; alles, was er tat, unterdrückte und übertrieb, um seine Ehrfurcht auszudrücken, so wie sein Klavierspiel unter einem Übermaß an Dynamik und Rubati litt. Er war ein hoffnungsloser Romantiker.)

Vieles davon fiel zufällig mit bedeutenden Fortschritten in der Technologie zusammen. Praktische Doppel-Gauß-Konstruktionen haben Petzval-Objektive weitgehend verdrängt, und selbst spätere Konstruktionen haben die Fähigkeiten der Kamera verändert. Es entstanden Platten und Filme, die einigermaßen empfindlich, einigermaßen detailgetreu und orthochromatisch oder panchromatisch waren. Man konnte nicht nur ein Foto machen, das sowohl "echt" als auch "jetzt" war, es wurde auch viel schwieriger, eine überzeugende Fälschung herzustellen. Die Arbeit würde sich zeigen und wäre offensichtlich. Mit genügend Aufwand könnte man das "Unmögliche" als Set bauen und mit für die damalige Zeit minimaler Retusche belassen werden ( Dali Atomicusman könnte auch Assemblage ausprobieren (was sich im Allgemeinen eher als Gemälde als als als Fotografie herausstellte; ich finde "rein fotografische" Ausdrücke des Konzepts, wie Jerry Uelsmanns Arbeit, die die meiste Zeit nicht überzeugen). Trotzdem war es schon immer eine gute Sache, ein bisschen Fibbing oder ein bisschen Geschichtenerzählen in die Reportage zu mischen. Es gibt einen Grund, warum jeder Ansel Adams und Edward Weston kennt, aber verdammt wenige haben von Minor White gehört (der mit einem von beiden als Kameramann und Dunkelkammertechniker den Boden wischen könnte).

Ungeachtet der Legitimität der "geraden Fotografie" verfügen wir nun über die Werkzeuge, um verschiedene Arten von Geschichten auf wirklich überzeugende Weise zu erzählen. Einige dieser Geschichten sind Fantasy, Mythos oder Science-Fiction. Einige erforschen das "Warum nicht" und nicht das "Warum". Müssen wir wirklich riesige Sets bauen oder unsere Untertanen (und eine Lastwagenladung Ausrüstung) an einen Ort bringen, in der Hoffnung, dass das richtige Licht, das richtige Wetter und der Mond im Steinbock zusammenfließen, um den Ausdruck legitim zu machen? Oder ist es nur unzulässig, den Realismus der fotografischen Reproduktion der verschiedenen Elemente zu verwenden, die beim Ausdrücken dieser Geschichte fotografiert werden könnten ?

Lassen Sie sich nicht von der Tatsache stören, dass 90 Prozent der Versuche Mist sind. Das ist nur das Störgesetz in Aktion. (Ehrlich gesagt denke ich, dass der alte Theodore dort ein bisschen zu großzügig war.) Mindestens 90% der "Straight Photography" (und ich meine "Serious Straight Photography") sind auch Mist, und Digital Plus "P for Professional" ist nicht. Ich helfe da überhaupt nicht. Der Mist ist also scharf und gut belichtet (für einen gewissen Wert von gut belichtet). Gut erzählte Geschichten werden immer noch auffallen; elegante Poesie wird noch tiefer als ein vage ungezogener Limerick mitschwingen. Jamie Baldridges Arbeit ist beunruhigender und zum Nachdenken anregender als jemals ein Bild. John Paul Caponigros leise Betrachtungen flüstern leiser, aber mit mehr Ausdruck.

Am Ende sind die Geschichten, die Sie erzählen, Ihre eigenen. Die Idee, dass Sie ein neues Wort oder eine neue Phrase nicht prägen oder ein Wort aus einer anderen Sprache ausleihen können, ist eine künstliche Auferlegung, ob extern oder intern. Niemand zwingt Historiker, Science-Fiction zu schreiben, aber kein Historiker hat das Recht zu sagen, dass Science-Fiction irgendwie ein unzulässiger Ausdruck menschlichen Denkens ist.

^{¹ Wie vollständig war der Tod der klassischen Allegorie und Anspielung? TS Eliots The Waste Land war für die meisten seiner Kollegen und Zeitgenossen lesbar. Kinder, die es heute in der Schule lernen, benötigen Fußnoten und Verweise, um die biblischen und mythologischen Anspielungen nachzuschlagen, und müssen möglicherweise ganze Bücher lesen, um die Bedeutung zu verstehen.}

Entwicklung der Fotografie - von der Wissenschaft zur Kunst

Es gibt zwei Arten von Menschen in der Fotografie. Diejenigen, die fotografieren wollen, und diejenigen, die Kunst schaffen wollen. Als die Fotografie noch jung war, waren nur die erstgenannten Personen beteiligt. Es war nicht in dem Konzept, dass Fotografien in der Kunst verwendet werden könnten. Bis solche Menschen, die auch etwas sagen wollten, um Kunst zu schaffen, die Fotografie interessant fanden.

Pictorialism hat nichts mit Kunst an sich zu tun. Es war ein Versuch , zu definieren , was ist Kunst in der Fotografie, zu einer Zeit , als die Fotografie noch neu war. Aber Kunst ist das, was wir fühlen, nicht die verwendeten Werkzeuge, und die Fotografie wurde schon bald (nur 100 Jahre) als Werkzeug zur Schaffung von Kunst akzeptiert, wodurch die Idee hinter dem Bildmaterial unbrauchbar wurde. Die Frage ist also, was sich in der Fotografie geändert hat, um sie zu einem Werkzeug für die Kunst zu machen.

Dokumentarfilm-Tool fängt an, Schönheit zu sehen

Denken Sie noch einmal darüber nach, was vor der Zeit der Kamera und Fotos war. Es war die Zeit der Maler und vor allem der Porträtmaler. Der erste "Krieg" war nicht zwischen Fotografen, sondern zwischen Malern und Fotografen. Maler lebten von Porträts reicher Menschen. Als die Fotografie anfing, sich dem Porträtgeschäft zu widmen, war es eine gefährliche Geldsache für Maler.

Eines der Argumente des Malers war, dass eine gerade Fotografie das Motiv nicht besser aussehen lassen kann. Dass nur ein Maler in der Lage ist, das Motiv zu schmeicheln und es für immer in günstiger Erinnerung zu behalten, da nur Maler Bilder drehen und wenden können, wie sie es wünschen. Die Fotografie suchte nach Wegen, um auf diese Herausforderung zu antworten, und so kam es zu dieser Bildhaftigkeit. Gerade Fotografen mussten jedoch nur lernen, wie sie ihre Motive gut aussehen lassen, ohne "künstlerische" Manipulationen vornehmen zu müssen.

Einstieg in die erwachsene Independent-Fotografie

..die bildnerische Bewegung als solche starb in der ersten Hälfte des zwanzigsten Jahrhunderts. Waren die geraden Fotografen einfach so erfolgreich darin, ihre Botschaft zu überbringen, dass die Bildhauer irrelevant wurden?

Der Pictorialismus war der Weg, Fotografie als einen Weg zur Schaffung von Kunst zu akzeptieren. Mit anderen Worten, sie suchte Akzeptanz mit stillen Entschuldigungen dafür, dass sie mit einem dokumentarischen Werkzeug in die Nachbarschaft der Kunst eindrang.

In diesem Fall wurde die Nachbarschaft Kunst gemalt. Ein Foto kommt einem Gemälde als Medium so nahe, dass ein New-Kid-on-the-Block-Effekt unvermeidlich war. Du musst deinen Wert beweisen. Wie bei den Porträtgemälden im Vergleich zu Porträtfotografien ist es im Allgemeinen so, als würden die Maler sagen "Das können Sie nicht" und die Antwort des Fotografen "Ja, das kann ich" erhalten, woraufhin ein Show-Off folgt. Das ist Bildhaftigkeit oder besser gesagt das "Warum" hinter allem anderen. Und es gibt auch die Antwort auf die Frage "Warum ist die Bildsprache so schnell gestorben?". Es passiert früher oder später,Und was ist das? Es ist gerade Fotografie! Ein rein pixelscharfes Bild der Realität. Und so wird die Fotografie zum erwachsenen Erwachsenen und führt ein eigenständiges Leben, ohne dass man mehr etwas beweisen muss.

Alt wird immer von Jungem herausgefordert

Aber ist der Pictorialismus heute noch da? Ja, wenn wir daran denken, dass die jüngeren Fotografen ihren Wert gegenüber den alten Fotografen unter Beweis stellen. Ich würde es allerdings nicht Bildhaftigkeit nennen. Menschen, die nur digital gearbeitet haben, können sich oft nicht vorstellen, welche Schwierigkeiten es gab, auf Film zu fotografieren. Vor nicht allzu langer Zeit waren (und sind es noch?) Die Digitalbilder, die sich bei ihren Filmkollegen bewähren mussten. Die Debatte zwischen Alt und Neu ist ewig und das, was jetzt neu ist, wird entweder alt oder die Debatte verlieren und jung sterben.

In der Fotografie lautet das Schlüsselwort "Lernen". Die Idee ähnelt der von Q & A. Es ist schwierig, einkaufen zu gehen, in dem Sinne, dass es schwierig ist, hohe Fähigkeiten und Talente zu erlangen, um Ihr Motiv in der geradlinigen Fotografie gut aussehen zu lassen Ändern Sie Ihre Fotos, um die Lücke zwischen einem Rohfoto und Ihren Erwartungen zu schließen.

Was nun, Fotografie?

..wird mit der Leichtigkeit, mit der Software Fotos in manipulierte "digitale Kunst" verwandelt, die reine Vision der geraden Fotografie für die Fotografie als eigenständige Kunstform am wichtigsten ?

Ich bin mir nicht sicher, ob ich das verstehe. Fotografie ist eine Kunstform, sei es manipuliert und verzerrt, oder reine Fotografie. Was ist eigentlich digitale Kunst?

Was ich für digitale Kunst halte, ist etwas, das so offensichtlich nicht nur ein Foto ist, dass jeder es sehen kann. Es mag ein Foto geben, auf dem die Arbeit gemacht wurde, aber es würde immer noch als digitale Kunst statt als Fotokunst betrachtet.

Zwei Beispielfotos:

Dies ist ein Foto . Ich habe keine Änderungen an der Speicherkarte der Kamera vorgenommen. Wir können es ein "reines" Foto nennen, wenn wir die Magie, die eine Digitalkamera beim Zeichnen der Pixelinformationen vom Bildsensor ausübt, nicht mitzählen.

Nächster:

Dies ist digitale Kunst , die von meinem 11-jährigen Sohn gemacht wurde, der mir einen Eindruck von dem Foto geben wollte, das ich von seiner zweijährigen Schwester gemacht habe. Natürlich gibt es dort ein Foto, aber es fällt offensichtlich in die Kategorie der digitalen Kunst.

Ist nur unverändertes Foto gerade?

Wo genau soll die Grenze gezogen werden? Unter Gute Beispiele für die Vorteile von RAW gegenüber JPEG finden Sie schöne Beispiele für die Leistungsfähigkeit der Nachbearbeitung, und insbesondere eine der Antworten mit einem Paar Fotos von @EtienneT. Warum ist das bereinigte Foto nicht Fotokunst, sondern digitale Kunst? Für mich ist es trotz aller Anpassungen immer noch ein Foto.

Haben wir diese Anpassungsarbeiten nicht von Anfang an an unseren Fotografien vorgenommen? Schauen Sie sich dieses Video an, in dem ein Schwarzweißdruck erstellt wird, bei dem das Mädchen um 9:00 Uhr mit dem "Original" beginnt und den "Anpassungs" -Prozess für die nächsten vier Minuten des Videos erklärt. So etwas wurde schon immer gemacht. Nur ist es jetzt eine Computer-Software, um die Arbeit zu erledigen. Es gibt doch kein unverändertes Foto.

Fotografie wird digital

Jetzt, im digitalen Zeitalter, wo jeder ein Fotograf ist und über hervorragende Auto-Modi verfügt, ist die Botschaft der bildenden Bewegung wieder da?

Gute Frage. Was ist das Alte und was ist das Neue heute? Die digitale Fotografie ist das New-Kid-on-the-Block und hat versucht, so gut auszusehen, wie es die Filmfotografie jemals war. Gleichzeitig ist die digitale Fotografie aber auch die Alte. Vielleicht ärgern sich die alten Fotografen über die neue, mühelose Art, wie die jungen Fotografen sich der Fotografie nähern. Ähnlich wie Maler früher über Fotografie dachten.

Wenn neue Wege zur Schaffung von Kunst entstehen, bedeutet dies nicht, dass alte Wege und Werkzeuge an Bedeutung verlieren. Dies ist kein Nullsummenspiel.

Ich denke, es war wirklich die Entwicklung der fotografischen Ästhetik. Das frühe Werk war vielleicht entscheidend in seiner Definition, aber es stellte sich schnell heraus, dass Komposition und Auswahl des Motivs mehr Einfluss darauf haben, wie das Bild eine Geschichte erzählt, als die mühsameren Aspekte einer sorgfältigen Fotomanipulation. Es war einfach mühsamer, den richtigen Aspekt für das zu wählen, was sich vor dem Objektiv befindet, als zu versuchen, die Entwicklung so genau zu steuern. Es kann auch sein, dass Fotos aufgrund ihres gesteigerten Realismus nicht in der gleichen Weise in Resonanz standen, wie dies bei ähnlichen Konzepten für die Malerei der Fall war.

Mit dem Aufkommen digitaler Werkzeuge, die es Fotografen ermöglichen, ihre Arbeit besser zu kontrollieren und zu verfeinern. Ich denke, wir sehen mehr eine andere Art der Rückkehr zu einigen Konzepten hinter der Photo-Secession. Es geht weniger darum, das zu erfassen, was sich vor dem Objektiv befindet, sondern vielmehr darum, das zu verbessern, was sich vor dem Objektiv befindet, oder etwas zu erfinden, das nicht vorhanden ist, da es mit fotografischen Werkzeugen angezeigt wird. Es scheint immer noch eine gemischte Tasche in Bezug auf die Popularität zu sein, aber es scheint ein wachsender Trend zu sein.

Hinweis der Kuratoren:

Die Erudtion dieses Stückes kann nicht erkannt worden sein. Oder vielleicht.
Der folgende Kommentar zu dieser Frage scheint für einige Köpfe und vielleicht sogar für eine große Mehrheit unzugänglich zu sein. Dies sind möglicherweise nicht die, die Sie möchten, gehen Sie mit.
Ansonsten als erstes "tut" es von

• Jetzt, im digitalen Zeitalter, wo jeder ein Fotograf ist und über hervorragende Auto-Modi verfügt,
  ist die Botschaft der bildenden Bewegung wieder da? Oder umgekehrt,
  tut die Leichtigkeit , mit der Software verwandelt Fotos in manipulierte „digitale Kunst“
  bedeutet , dass die reine Vision für straight photography am wichtigsten ist die Fotografie als eine separate Kunstform?

wird vom Befragten als eine selbstverständliche Wahrheit angesehen, wenn nicht sogar als eine geradezu tautologische, und da die zweite der "Taten" ihr gleicht, aber das "Mittel, das" geleugnet wird, versucht er, dies vielleicht zu kommentieren aufgeklärt, aber wahrscheinlich nur undeutlich über die zugrunde liegenden Motivationen, die diese Katastrophe zum Leben erweckt haben, während die Vermutung, dass bloße technologische Exzellenz der Motor des Zerfalls ist, außer Kraft gesetzt wird.

Der obskure Hinweis auf das Motto des Clackmannanshire County ("Look aboot ye") ist bloße Betroffenheit. Das neue Motto (2007) "More than you can imagine" (Mehr als Sie sich vorstellen können) wird selbst als Hinweis darauf gesehen, dass die Fäulnis nicht auf die Verschleierung der fotografischen Form beschränkt ist, sondern sich auf County-Slogans und andere bisher sakrosankte Ausdrucksbereiche ausgeweitet hat. So ...

Pictorialism Wars - Der Instagram schlägt zurück!

Ich versuche immer noch festzustellen, was:
genetische Veränderungen
und / oder Gehirnchirurgie
und / oder mentale oder optische Filterung und Verzerrer
und / oder Apps / Modi / Plugins / ...
Ich muss kaufen / erwerben / anpassen / installieren / hochladen / herunterladen / Patch / ...
auf meine Wetware-Systeme (oder andere Systeme)

mir zu erlauben, die Welt zu sehen und Bilder zu instagram, wie andere sie offensichtlich sehen,
so dass auch ich mit Hingabe / Freude / Vergnügen / Befriedigung daran teilnehmen kann, was bisher hauptsächlich eine sinnlose, verzerrte Zerstörung der guten alten, alltäglichen optischen Gehirnernährung zu sein scheint.

Photoshop zur Rettung - daran arbeite ich noch ...

Ansell Adams: Vielleicht ein bisschen weit in die andere Richtung gegangen. Vielleicht haben Sie an einem schlechten Tag ein bisschen durch ein paar Maßnahmen geschummelt. Vielleicht nicht.

Re

Jetzt, im digitalen Zeitalter, wo jeder ein Fotograf ist und über hervorragende Auto-Modi verfügt, ist die Botschaft der bildenden Bewegung wieder da?

Offensichtlich ja. Sieh nach oben.
Aber nicht, denke ich, aus den Gründen, die Sie auflisten. Oder nicht als vorherrschender Faktor.

Ich vermute, es ist eher ein postmodernes, postmodernes Gen XYZT, in dem wir die Tendenz haben, nach der sofortigen Befriedigung und nach dem Leben für die Zukunft zu genieren. Tag, nach [Warnung: Lieferung von "-" ist erschöpft], wenn es geels Essen tun, nach junger Generation, was die Welt zu mir gekommen ist, in meinem Tag bergauf zur Schule in beide Richtungen unten in einem See Pappkarton keine Schuhe , murmeln murren ...., egal.

Erfolgreiche Kunst ist letztendlich alles, was eine angemessene Anzahl von Menschen als angenehm, bewegend und faszinierend ansieht. Geben Sie hier Ihr positives Adjektiv ein. Jede erfolgreiche Kunst erzeugt eine Emotion oder ein Gefühl in einem Menschen und lässt ihn die Kunst sehen oder erleben wollen.

Durch diese Metrik haben digitale Bilder (die aufgrund übermäßiger Manipulationen die Grenze zum Fotografieren überschritten haben) das Recht und die Möglichkeit, Kunst zu sein. Sie müssen nur erfolgreich sein.

Persönlich muss eine solche Arbeit erstaunlich sein, bevor sie mich besonders anspricht. Meine Lieblingskunst basiert auf der Realität. Eine wunderschöne Tom Thomson-Landschaft hat mich immer lauter angesprochen als alles Abstrakte. Das heißt nicht, dass abstrakte Kunst keine Kunst ist - das kann sie absolut sein -, aber sie findet bei mir keine besondere Resonanz.

Aus diesem Grund war ich fotografisch immer im Lager der Bildhauer. Es kommt vor, dass Ansel Adams einer der Fotografen ist, die ich am meisten respektiere. Es kommt vor, dass ich heute, im digitalen Zeitalter, einen großen Teil meiner Filmarbeit mache, nicht weil der Film unbedingt überlegen ist (es gibt ein paar Dinge, und es gibt nicht ein paar andere), sondern weil sich der Film ausdrückt meine fotografische Vision gut. Ich fotografiere auf die gleiche Weise digital - ich möchte die Realität zeigen und interpretieren. Ich verwende möglicherweise eine Farbfilterung für Schwarzweißfilme, und ich verwende möglicherweise Superweitwinkelobjektive für meine digitalen Arbeiten, aber die von mir aufgenommenen Szenen bleiben realistisch. Sie würden sie als real erkennen - aber Sie könnten eine neue Perspektive auf ihre Realität bekommen, wenn es mir gelungen ist, meine Vision zu verwirklichen. Wenn ich versagt habe, liegt es daran, dass ich meine Bilder so manipuliert habe, dass sie abgelenkt sind.

Beschränke ich mich? Ich glaube nicht. Ich ignoriere Hunderte von möglichen Hobbys und Ablenkungen, weil ich mich auf das konzentriere, was mir gefällt und Spaß macht. Außerdem ist die Realität sehr interessant.

Ich habe in den letzten Wochen meine früheren Ausgaben eines britischen Schwarzweiß-Fotomagazins gelesen. Die bewegendsten Fotos, die ich bisher in ihnen gesehen habe, waren eine Reihe von Fotos eines Waldes. Ich habe viele Bäume gesehen - aber diese Fotos waren wunderschön. Sie waren auch realistisch. Der Fotograf hat mir seine Vision absolut ins Auge gefasst.

Ich war der üblichen visuellen Genauigkeit überdrüssig - und gab der Vorstellung nach, dass es genauso illusorisch ist, fokussiert zu sein, wie mein Objektiv die Augen korrigierte. Mindestens die Hälfte meines Lebens verbringe ich damit, die Welt astigmatisch zu betrachten - denn die weichen Bilder machen mich gleichzeitig unangenehm und friedlich. Ich kann ein Bild, das aus genauen Details zusammengetragen wurde, einfach nicht so sehen. Das überlässt meiner Vorstellungskraft weniger und gibt mir weniger "Gefühl". Natürlich ist dies meine eigene Erfahrung und andere haben ihre eigenen Methoden - aber Bildhaftigkeit, Impressionismus - was für eine großartige Möglichkeit, die Frage "Wie fühle ich mich dabei" ohne all den anderen ... Kontext zu stellen.