Stieglitz und sein Foto "The Steerage" werden nicht wegen ihrer hervorragenden Komposition als großartig bezeichnet (mindestens ein Aspekt der Komposition ist brillant, und einige der Linien im Rahmen können als eine Art "Protokubismus" angesehen werden. ¹) oder die technischen Eigenschaften des Fotos. "The Steerage" ist vor allem deshalb von Bedeutung, weil erstmals mit einer Fotografie etwas über die menschliche Gesellschaft in künstlerischer Absicht gesagt und die Szene so realistisch wie möglich dargestellt wurde, anstatt sie entweder nur weitgehend kommentarlos oder künstlerisch zu dokumentieren Absicht oder b) es signifikant zu modifizieren, um eine mögliche Botschaft oder künstlerische Absicht zu formen.
Die Art und Weise, wie Stieglitz das Foto aufnahm, unterschied sich grundlegend von der Art und Weise, wie jene, die von der Kunstgemeinschaft als die höchsten Praktiker der Fotografie als Kunst zu dieser Zeit anerkannt wurden, Dinge taten. Die wenigen künstlerischen Fotografen, die 1907 "etwas zu sagen hatten", verwendeten typischerweise den bildnerischen Stil, der verschiedene Methoden verwendete, um den Realismus der Szene so zu verändern, dass er zu ihrer Botschaft passte. Stieglitz selbst war zu dieser Zeit ein Bildhauer und veröffentlichte The Steerage erst 1911, mehr als vier Jahre nachdem er das Foto aufgenommen hatte, als er sich vom Bildhauerei abwandte.
Anstatt Zucker Mantel Dinge zu versuchen , und dass sie aussehen , als romantisch ansprechend wie bei war Pictorialismus , versucht Stieglitz (und mit gelang The Steerage ) Dinge zu zeigen , so realistisch wie möglich. Um eine emotionale Wirkung zu erzielen, war Stieglitz darauf angewiesen, dass der Betrachter den Inhalt der Szene so wie er war sah und einige der zugrunde liegenden Faktoren verstand, die dazu führten, dass die Szene so aussah, wie sie war, und gleichzeitig einige der abstrakteren künstlerischen Elemente erkannte der Szene und ihre Bedeutung.
Der kompositorische Geniestreich war die Art und Weise, wie Steiglitz einen Winkel fand, der die leere und makellose Gangway (laut Stieglitz für die gesamte Reise unbenutzt) zu einer erstklassigen Off-Camera als scheinbar undurchdringliche Barriere zwischen denjenigen machte, die auf der rechten Seite abgebildet sind, und unten und die (nicht abgebildet) in erstklassigem Luxus links und hinter der Kamera. Die starken geometrischen Linien der Gangway, des Masts, des Auslegers, des Decksträgers, des Eingangs zum Laderaum und der steilen Treppe auf der linken Seite dienen dazu, diejenigen, die sich in der Lenkung befinden, einzuschränken. Obwohl das Foto selbst eine unveränderte Sicht auf die Realität war, hatten die Elemente dieser Realität und die Art und Weise, wie Steiglitz es schaffte, sie in den Rahmen zu setzen, vom künstlerischen Standpunkt aus eine große metaphorische und symbolische Bedeutung.
In der Kunst gibt es oft zwei verschiedene Arten von Meisterwerken:
- Diejenigen, die neue Wege beschreiten und eine Art der Kommunikation schaffen, wie sie noch nie zuvor gemacht wurde. Dies sind die "ersten ihrer Art" Meisterwerke.
- Diejenigen, die auf den ersteren aufbauen und einen absoluten Höhepunkt eines bestimmten Stils erreichen, der ihn so perfektioniert, dass niemand mehr etwas Höheres erreichen kann.
Es ist sehr selten, dass ein und derselbe Künstler, geschweige denn dasselbe Werk, beides tut.
Das vielleicht beste Beispiel, das mir in den Sinn kommt, ist Earl Scruggs '' Drei-Finger-Stil ', der das Banjo spielt, das es vor seiner Entwicklung noch nie gab und das noch nie von jemandem nach ihm getoppt wurde.
Im Gegensatz dazu erreichte Michelangelo bei der Bildhauerei von David den höchsten Ausdruck der Renaissance-Skulptur, die sich seit Jahrhunderten entwickelt hatte und bis zu den klassischen griechischen Formen zurückreichte. Wie Giorgio Vasari über David sagte , übertraf es "alle alten und modernen Statuen, ob griechisch oder lateinisch, die jemals existierten". Nach David blieb nichts anderes übrig, als eine andere Richtung für die Marmorskulptur zu finden. So die Entwicklung des Manierismus , der eher kompositorische Spannung und Instabilität begünstigte als die Proportionen, das Gleichgewicht und die ideale Schönheit der Hochrenaissance.
Stieglitz's The Steerage ist der erste Typ. Damit führte er eine neue Art der Verwendung von Fotografien ein, die sehr realistisch waren, es jedoch durch ihren sorgfältig zusammengestellten Realismus schafften, die Dinge mit künstlerischem Vokabular symbolisch und metaphorisch auszudrücken. Es gibt weitaus bessere Beispiele für das, was Stieglitz mit The Steerage begonnen hat, was die Komposition und die technischen Fähigkeiten angeht . Einige der Werke von Weston, Adams und Lange fallen mir ein. Es gibt jedoch nicht viele frühere Beispiele.
Es gab andere vor Stieglitz und The Steerage , die Fotos verwendeten, um "Geschichten zu erzählen". Jacob Riis ², der vielleicht ein "Großvater" des modernen Fotojournalismus ist, ³ tat dies bereits in den 1880er Jahren. Mathew Brady , der den amerikanischen Bürgerkrieg in den frühen 1860er Jahren dokumentierte, könnte als einer der "Urgroßväter" des Fotojournalismus angesehen werden. Brady und Riis hatten jedoch keine Ambitionen, ihre Fotos als "Kunst" zu betrachten.
Stieglitz hingegen begann mit künstlerischer Absicht und entdeckte, dass er ein "dokumentarisches" Foto so gestalten konnte, dass es die gewünschten künstlerischen Elemente zeigte. Stieglitz ' The Steerage war insofern revolutionär, als es sich um eine frühe Form des " Protokubismus " handelte, als Picasso zum ersten Mal mit traditionelleren Medien experimentierte, aber Stieglitz dies über die Form eines realistischen Fotos tat - was noch nie der Fall war wirklich verwendet worden, um hohe Kunst vorher zu verursachen.
¹ Nachdem er The Steerage gesehen hatte , bemerkte Pablo Picasso selbst: "Dieser Fotograf arbeitet im selben Geist wie ich."
² Vielen Dank an Benutzer BobT , der mich an Riis erinnert hat.
³ Henri Cartier-Bresson wird von vielen zu Recht als "Vater" des modernen Fotojournalismus bezeichnet.
