Gibt es eine Faustregel für Übergänge in der Videoproduktion?

Ich bin ein Software-Ingenieur, aber als Junior-Mitglied im Team wurde ich beauftragt, eine Loop-Demo für unser Produkt zu erstellen, die auf einer bevorstehenden Convention kontinuierlich gespielt wird. Das Video ist nicht nur eine Werbung für unsere Software, sondern auch für einige der Hardwareplattformen, auf denen es ausgeführt wird. Daher muss ich eine Reihe von Produkten und Logos vorstellen.

Nachdem ich einen Monat lang daran gearbeitet habe, habe ich mich auf knapp 4 Minuten verkürzt, aber einige Übergänge zwischen Clips und Standbildern fühlen sich für mich einfach unangenehm an. Ich habe mit "Cross Dissolve" eine Einheitsgröße ausprobiert, aber nicht wirklich. Ich habe auch ein Spektrum von Folien, Wischen und Auflösen ausprobiert, aber es fühlt sich an wie eine PowerPoint-Präsentation von jemandem aus den späten 90ern (abzüglich der Standard-Soundeffekte). Verfügt diese Community über Richtlinien, die sie beim Erstellen von Übergängen in ihren eigenen Projekten befolgt?

Vor einiger Zeit habe ich einige einführende Videobearbeitungsworkshops durchgeführt. Ich erzählte den Teilnehmern von einem besonders coolen Effekt, den ich einmal in Pinnacle gefunden hatte. Es war ein Pinhata, der zusammen mit einem Stock, der das zweite Video herausschlug und sich über den Bildschirm entfaltete, in das erste Video schwang.

Der Punkt dieser Anekdote ist der folgende: Verwenden Sie keine Übergangsvoreinstellungen . Wie überhaupt. Sicher, es sieht auf der Vorschau-Rolle cool aus, aber all diese ausgefallenen Wisch-, Wisch-, Folien- usw. sind nur ablenkend und hässlich. Natürlich hängt es davon ab, welche Art von Video Sie machen, aber ich würde immer versuchen, wenn es überhaupt ohne Übergänge funktioniert (dh Hardcuts). Wenn dies nicht der Fall ist, versuchen Sie es mit einer einfachen, kurzen Kreuzauflösung (z. B. maximal 0,5 Sekunden) oder mit einem Sprung nach Schwarz. Aber lassen Sie Ihre Hände von allen anderen Übergangsvoreinstellungen fern.

Meine Faustregeln lauten wie folgt:

1. Verwenden Sie keine Übergänge.
2. Wenn Sie Übergänge verwenden müssen, verwenden Sie so wenig wie möglich und seien Sie konsistent .

Der zweite Punkt ist besonders wichtig, auch wenn Sie ein Fan von Übergängen sind. Seien Sie konsistent mit (a) welcher Art von Übergang Sie verwenden und (b) wann Sie sie verwenden. Wenn Sie beispielsweise einen Übergang verwenden, um zwei Szenen für die erste Hälfte Ihres Films visuell zu trennen, und dann plötzlich einen Übergang für jeden Schnitt in einer Szene verwenden, ist dies verwirrend und ablenkend. Und wenn Sie jedes Mal andere Übergänge fallen lassen, sieht es aus wie ein beschissener Youtube AMV, der von einem 12-Jährigen erstellt wurde.

Sehen Sie sich zum Beispiel Star Wars (die Prequels) an. Sie verwenden diese Wischbewegungen und Folien mit weichen Rändern überall. Ich mag diese nicht wirklich, aber zumindest stimmen sie damit überein.

Aber einige Übergänge zwischen Clips und Standbildern fühlen sich für mich einfach unangenehm an

Dies mag eine Meinung sein, aber meiner Erfahrung nach sieht ein Übergang seltsam aus, sobald Sie es bemerken. Der bestmögliche Übergang ist der, den Sie nicht bemerken, da ein Übergang ein Werkzeug ist, um Ihre Geschichte besser zu erzählen, und kein Story-Element selbst. Und der einfachste Weg, einen Übergang zu haben, den Sie nicht bemerken, besteht darin, überhaupt keinen zu verwenden.

Der am wenigsten wahrnehmbare Übergang ist ein Schnitt. Jeder Übergang, auch eine Auflösung, dauert einige Zeit und macht in gewissem Maße auf sich aufmerksam. Das bedeutet, dass ein Übergang (und hier verwende ich Übergang, um etwas anderes als einen harten Schnitt zu bedeuten) Teil der Geschichte wird, die Sie erzählen.

Zum Beispiel scheint eine Überblendung auf den ersten Blick eine Möglichkeit zu sein, zwei Aufnahmen zusammenzuführen, aber sie hat tatsächlich den Effekt, sie zu trennen, was bedeutet, dass die zweite Aufnahme später oder an einem anderen Ort erfolgt. Es ist ein bisschen wie die Box in der Ecke eines Comic-Rahmens, in der "mittlerweile ..." oder "später ..." steht. Andere Übergänge ziehen noch mehr Aufmerksamkeit auf sich und werden Teil des Aussehens und Inhalts des Films. Verwenden Sie sie nicht nur, weil sie cool aussehen. Sie müssen durch die Geschichte motiviert sein, die Sie erzählen möchten, wenn sie nicht so aussehen, als wären sie heißgeklebt.

Das Problem ist, dass auch Schnitte spürbar sein können. Jeder Schnitt von einer Aufnahme zu einer ähnlichen Aufnahme, z. B. zwei ähnlich gerahmte Aufnahmen eines Interviewmotivs, springt - dies wird als Sprungschnitt bezeichnet. Gegen intuitiv besteht die Möglichkeit, einen Schnitt weniger sichtbar zu machen, darin, die beiden Aufnahmen, die er trennt, voneinander zu unterscheiden . Wenn Sie also zwei Aufnahmen desselben Motivs zusammenschneiden möchten, wechseln Sie von nah zu weit oder umgekehrt. Eine andere Möglichkeit, einen Schnitt zu motivieren, ist die Bewegung. Passende Bewegungen innerhalb des Rahmens verkaufen oft einen Schnitt, der mit statischen Inhalten nicht funktioniert. Ein- und Ausgänge zum Rahmen motivieren ebenfalls einen Schnitt.

Es wurde viel darüber studiert; Im Grunde beschreibe ich das Handwerk des Bearbeitens - im Gegensatz zu dem Wissen, wie man Bearbeitungssoftware verwendet, die viele Leute für dasselbe halten. Edward Dmytrics On Film Editing ist eine gute Lektüre, ebenso wie Walter Murchs Bücher, insbesondere In the Blink of An Eye

Verwenden Sie Schnitte für fast alle Übergänge. Einige Ausnahmen ...

Verwenden Sie Übergänge, die eine Bedeutung vermitteln:

• Ein Wischen im Uhrzeigersinn zeigt den Lauf der Zeit an.
• Verträumte Unschärfe (mit Harfenmusik) für eine Tagtraumsequenz.
• Cross Dissolve für sanfte Momente / sensible Themen.

Eine absolute Ausnahme: Wenn Sie ein Kindervideo (für Kinder gemacht) machen, fügen Sie viele alberne Übergänge hinzu. Je widerlicher desto besser. Dinosaurier-Übergang, benutze es. Hai Übergang, benutze es. Vulkanübergang, benutze es. Sie werden es lieben.

Ich werde versuchen, verschiedene Übergänge zu kategorisieren und zu kommentieren. Natürlich ist dies nicht in Stein gemeißelt.

Schnitt

Ja, ein Schnitt ist ein Übergang. Es klingt einfach, hat aber viele Geschmacksrichtungen . Am einfachsten ist der direkte Schnitt, bei dem Sie einfach einen Clip nach dem anderen platzieren.

Eine dieser Varianten ist der J-Cut, bei dem Sie den Clip nicht genau zur gleichen Zeit wie das Audio ändern. Zum Beispiel ein Dialog zwischen zwei Personen. Als Betrachter können Sie den Kopf zum anderen Gesprächspartner drehen, nachdem Sie gehört haben, dass er gerade spricht, sodass sich der Ton vor der visuellen Darstellung ändert.

Es ist der Schnitt, der einer Sequenz mehr Kontinuität verleiht, so sehr, dass Sie sie tatsächlich verwenden können, um sie zu stören. Wenn Sie beispielsweise von einer Kampfszene in ein ruhiges Paradies wechseln, kann dies das Publikum überraschen, das versucht herauszufinden, was passiert ist, weil Sie wurden ohne Vorwarnung teletransportiert. Dies ist ein Schnitt.

Aber ein Schnitt kann zwischen den Aufnahmen hin und her gehen, wie in einem Dialog, dies ist ein Kreuzschnitt, oder es kann sein, einen einzelnen Schuss zu beschleunigen, wie ein Sprungschnitt.

Wie Sie sehen können, gibt es viele Variationen.

Die Geschwindigkeit und der Rhythmus können verschiedene Aspekte eines Schnitts sein. Sie müssen jedoch Zeit lassen, damit die Bilder verstanden werden. Je einfacher das Bild, desto schneller können Sie wechseln, desto mehr Elemente enthält es, desto mehr Zeit wird auf dem Bildschirm benötigt. Einige Musikvideos haben so viel frenetischen Rhythmus, dass sie nicht beobachtet werden können.

Kreuz auflösen

Dies impliziert normalerweise eine ruhige Situation, es kann ein "elegantes" Element hinzufügen.

Sie können zwischen Clips oder zwischen zwei größeren Sequenzen verwendet werden. Es kann sie je nach Kontext entweder verknüpfen oder distanzieren, aber normalerweise verknüpft es sie trotz eines intrinsischen Elements der Distanz, zum Beispiel wenn eine Person auf der ganzen Welt an eine andere denkt.

Es kann aber auch den Lauf der Zeit zeigen.

Die Dauer des Übergangs selbst ist ein weiteres narratives Element.

Fade to - Fade from

Schwarz oder weiß.

Ein Fade to Black ist einer der Übergänge, die zwei Senes am weitesten voneinander entfernt sind. Es vermittelt das Gefühl der Schließung, zum Beispiel wenn einige Jahre vergangen sind und die vorherige Situation vergessen werden möchte.

Ein Verblassen zu Weiß kann einen ähnlichen Effekt haben, gibt aber eine kleine Erleichterung, impliziert ein hoffnungsvolles Gefühl. Es kann ein "metaphysisches" Element bedeuten, das vorbeizieht, neue Anfänge.

Es kann zwischen zwei Szenen oder als letztes Element eines Videos verwendet werden.

Es gibt auch einige Variationen, abhängig vom angewendeten "Mischmodus". Wenn ein Übergang einen Mischmodus hat, der die Leuchtkraft des Videos erhöht, kann er als Einführung in einen Rückblick oder ähnliches verwendet werden. Aber diese Variante könnte als Low-Budget-TV-Show "billig" aussehen.

Diese drei werden bei weitem am häufigsten verwendet.

Überlagerung

Ein Element erscheint über den beiden Clips als mittleres Übergangselement. Ein Beispiel ist ein "Filmbrennen", bei dem dieses Fremdelement während des Übergangs erscheint und verschwindet. Normalerweise impliziert dies einen anderen Mischmodus als nur das Auflösen.

Ein Filmbrand kann natürlich verwendet werden, um ein nostalgisches Gefühl zu vermitteln, aber Sie können kreativ sein.

Nähte

Normalerweise bewegt sich dies in Kombination mit einer Kamerabewegung beispielsweise von links nach rechts, und ein Baum befindet sich sehr nahe an der Kamera. Jetzt wird eine andere Szene hinter einem Lichtmast mit derselben Kamerabewegung angezeigt. (Es ist eine kreative Art, ein Wischtuch zu verwenden)

Sie können sich einem schwarzen Objekt nähern und die nächste Szene beginnen, indem Sie sich von einem anderen schwarzen Objekt entfernen.

Wischen

Es wird ein Element von einer Seite angezeigt, das das darunter liegende Bild überschreibt. Wenn es zwischen Clips verwendet wird, kann es einen "Comic" -Stil geben. Dies kann bedeuten, dass die beiden Szenen genau zur gleichen Zeit an verschiedenen Orten stattfinden, z. B. bei einem Telefonanruf.

Es kann aber auch verwendet werden, um ein Element über der vorhandenen Szene hinzuzufügen, z. B. Text über einem Video oder eine erweiterte Version eines Videos über dem Original.

Die Kante kann scharf sein oder sich allmählich vermischen.

Verwischen

Ändern des Fokus oder Hinzufügen einer Art Gaußscher Unschärfe.

Eine offensichtliche Verwendung ist eine Person, die das Gewissen verliert, aber eine billige ... oder wirtschaftliche Möglichkeit sein kann, zwischen Szenen zu wechseln. Es wurde verwendet, wenn der Direktschnitt das einzige verfügbare Werkzeug war, mit dem eine Aufnahme aus- und wieder eingeschaltet wurde. Ich bezweifle, dass heutzutage viel verwendet wird.

Sie müssen mit anderen Ressourcen kombiniert werden

Zum Beispiel mit Kamerabewegungen, Lichtverhältnissen und vor allem ... der Geschichte.

Sie können aber auch alles verwenden, was Sie haben!

Ja, Sie können einem Kindervideo mit Luftballons, Sternen und umgedrehten Seiten einen "ausgefallenen" Übergang verleihen. Denken Sie daran, dass dies einen sehr kurzlebigen Stil haben kann. Aber wahrscheinlich ist es das, was Sie brauchen. Wenn Sie einem Video einen 90er-Look geben, könnte dies das sein, was Sie brauchen.

Compositing

Denken Sie daran, dass "Videobearbeitung" und "Video-Compositing" zwei verschiedene, aber verwandte Handwerke sind. Einige Bewegungsgrafiken oder visuelle Effekte können als Übergänge betrachtet werden .

Ein Video wird von Stücken zerrissen, Farbbalken schweben herum, geometrische Formen, Partikel erscheinen, Maskierungen, Überlagerungen, 3D-Bewegungen, Störungen ... Denken Sie daran, die Elemente mit einem Kontext im Auge zu behalten. Es ist anders, ein Musikvideo für eine Techno-Musikgruppe zu machen als einen Dokumentarfilm.